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vendredi 23 février 2018

Clavier Classique





Ce billet B + B propose notre montage # 272. Pour l'écouter, il suffit d'utiliser le lecteur Pod-O-Matic intégré au billet.



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Le B+B de cette semaine complète notre regard sur certains des grands compositeurs de l'ère classique, avec un accent particulier sur la musique pour piano solo.

La sonate pour piano occupe une grande partie du montage, et pour cause. Comme beaucoup d'œuvres «à formule» - la symphonie me vient à l'esprit - la sonate trouve sa structure bien connue sous des compositeurs comme Mozart, Haydn et plus tard Beethoven et Schubert. Avant la période classique, on peut citer les nombreuses sonates pour clavier de Domenico Scarlatti comme indicatives de la sonate "en un mouvement". Padre Antonio Soler, un compositeur espagnol dont les œuvres couvrent les époques de la musique baroque tardive et du début de la musique classique, fut un autre champion du genre. Il fit une contribution importante au répertoire pour clavecin, pianoforte et orgue.

Les œuvres les plus célèbres de Padre Soler sont ses sonates pour clavier, qui sont comparables à celles composées par Scarlatti (avec qui il a peut-être étudié). Cependant, les œuvres de Soler sont plus variées que celles de Scarlatti, avec quelques pièces en trois ou quatre mouvements. Les pièces de Scarlatti sont en un ou deux mouvements. Les sonates de Soler ont été cataloguées au début du vingtième siècle par le P. Samuel Rubio et ainsi tous ont des numéros «R» assignés. Le montage d'aujourd'hui s'ouvre sur quelques-unes des sonates de Soler jouées sur un piano moderne.

Influencé par l'école de clavecin de Scarlatti et l'école classique de Haydn et par le stile galante de Johann Christian Bach et Ignazio Cirri, Muzio Clementi développe un style legato fluide et technique, qu'il transmet à une génération de pianistes, dont John Field, Johann Baptist Cramer, Johann Nepomuk Hummel et Carl Czerny - plusieurs de ces noms devraient être familiers, ayant été représentés dans des montages récemment. Il a eu une influence notable sur Ludwig van Beethoven. Clementi a également produit et promu sa propre marque de pianos et était un éditeur de musique remarquable.

Clementi a composé près de 110 sonates pour piano; certaines des premières et plus faciles ont été classées plus tard comme sonatines après le succès de ses Sonatines Op. 36. Cependant, la plupart des sonates de Clementi sont plus difficiles à jouer que celles de Mozart, qui écrit dans une lettre à sa sœur qu'il préfèrerait qu'elle évite de jouer les sonates de Clementi en raison de leurs sauts et de ses larges accords qui pourraient ruiner la légèreté naturelle de sa main.

Les Impromptus de Schubert sont une série de huit pièces pour piano solo composées en 1827. Elles ont été publiées en deux séries de quatre impromptus chacune, cataloguées comme D. 899 et D. 935 respectivement. Ils sont considérés comme l'un des exemples les plus importants de ce genre populaire du début du XIXe siècle.

Le montage d'aujourd'hui présente le deuxième ensemble. Comme les premières et dernières pièces de cet ensemble sont dans la même tonalité (fa mineur), et que l'ensemble a quelque ressemblance avec une sonate à quatre mouvements, ces Impromptus ont été accusés d'être une sonate déguisée, notamment par Robert Schumann et Alfred Einstein. Cependant, cette affirmation a été contestée par des musicologues contemporains tels Charles Fisk, qui a établi des différences importantes entre l'ensemble d'Impromptus et les œuvres multi-mouvement reconnues de Schubert. On pense également que l'ensemble était à l'origine destiné à être une continuation de l'ensemble précédent, puisque Schubert les a initialement numérotés  5-8.


Bonne écoute!


mardi 20 février 2018

Debussy - Philharmonia, Giulini ‎– La Mer / Trois Nocturnes


Le billet suivant est mon Mardi en Musique du 20 février 2018. 

J’ai deux partages prévus pour les prochaines deux semaines sous la rubrique de la Revanche du vinyle – celui de cette semaine est un « rattrapage » vis-à-vis mes propos en anglais sur un autre forum, devenu nécessaire en fonction de mon prochain volet des Routes du Laitier.

Je suis sûr que j'ai partagé des réflexions sur l'achat d'une poignée de disques de I Grande Concerti une série Longanesi Periodici. Fondée par Leo Longanesi en 1946, la maison d'édition a été reprise en 1977 par l'italien Messaggerie. Ces documents, pour la plupart des rééditions d'enregistrements de studio ou de diffusion, étaient dans le bac d’aubaines chez mon disquaire parce que les notes étaient en italien - Je ne suis certainement pas à l'aise, mais le manque de notes en français ou en anglais rien à mon plaisir d'écoute ...

Walter Legge, le fondateur de Philharmonia et Karajan, alors son chef principal, avaient entendu Carlo Maria Giulini à Milan vers 1955, et l’engagèrent pour enregistrer les Quatre Saisons de Vivaldi et Jeux d'Enfants de Bizet. En 1959, Giulini a enregistré deux opéras de Mozart, Figaro et Don Giovanni, avec l'orchestre, le premier étant précédé de plus de 100 heures de répétition.

Les enregistrements Philharmonia de GCM pour EMI sont légendaires: en plus des opéras de Mozart, il a enregistré le Requiem de Verdi, ainsi que des enregistrements d'orchestre y compris  la Symphonie Pathétique de Tchaïkovski, les Tableaux d’une exposition de Moussorgski, des symphonies de Brahms et Dvorak et, et en 1962 La mer et Nocturnes de Debussy, un album qui est devenu très prisé pour son interprétation et son atmosphère.



Bonne écoute


Claude DEBUSSY (1862-1918)
La mer, esquisses symphoniques pour orchestra, L 109
Nocturnes, tryptique symphonique pour choeur de femmes et orchestra, L 91

Philharmonia Chorus (L. 91)
Philharmonia Orchestra
Carlo Maria Giulini, direction

Label: Longanesi Periodici ‎– GCL 06
Série: I Grandi Concerti
(Enregistrement de studio original EMI, 1962)



Internet Archive - https://archive.org/details/06NocturnesTryptiqueSymphonique

mardi 13 février 2018

Horowitz joue Brahms et Tchaïkovski


Le billet suivant est mon Mardi en Musique du 13 février 2018. 

Le Jadis sur Internet de cette semaine nous ramène au site du domaine public italien LiberMusica, pour une paire de concerti mettant en vedette Vladimir Horowitz, son beau-père Arturo Toscanini et son orchestre symphonique de la société NBC.

Les pages ressources du site italien n'identifient pas clairement le disque-source de leur partage - une recherche sur le Web en utilisant le titre mentionné suggère fortement que les pistes proviennent d'un enregistrement Classica D'oro qui, selon AllMusic.com, est une réédition des enregistrements de 1940 de ces concerti. Il y a plusieurs rééditions de ces vieux 78 tours très populaires à l’époque restaurés numériquement, notamment un enregistrement historique de Naxos qui bénéficie de notes d’accompagnement assez étoffées.

D'après ces excellentes notes le Brahms mérite cette observation de la part du soliste: "Toscanini avait sa propre conception, et je l'ai suivi, même si c'était parfois contre mon gré."

La performance en concert du 6 mai 1940 à New York fut sensationnelle. L'événement était un concert caritatif tout-Brahms au Carnegie Hall avec Toscanini et le NBC Symphony. Le critique du New York Times Olin Downes a écrit que "M. Horowitz a joué ce qui est probablement le plus grand des concertos pour piano avec toute la sincérité, la virilité et le feu de son jeune cœur, et la virtuosité abondante et le pouvoir qui sont phénoménalement à sa disposition. ... on s'aventure à dire que son jeu jouit d'une ampleur, d'une masculinité, d'une poésie et d'un esprit héroïque qui aurait satisfait le compositeur. " M. Downes a rapporté que le public a applaudi chaque mouvement et a applaudi à la fin. Le 9 mai, ces mêmes effectifs ont enregistré le concerto dans les studios de RCA Victor à Camden, New Jersey. [Note du blogueur: d'autres sources affirment que le lieu d'enregistrement était Carnegie Hall]

L'enregistrement du Brahms fut un énorme succès commercial et avec la critique. Les dirigeants de la maison RCA étaient donc impatients de suivre le Brahms avec la pièce maîtresse de Horowitz, le Premier Concerto de Tchaïkovski. En 1941, les Américains connaissaient depuis longtemps le premier concerto de Tchaïkovski et l'interprétation de Horowitz qui avait fait du concerto un élément central de son répertoire.

Le 19 avril 1941, Horowitz joue le concerto avec Toscanini et le NBC Symphony lors d'un concert tout-Tchaïkovski au Carnegie Hall, marquant le cinquantième anniversaire de l’inauguration du célèbre auditorium. Noel Straus, écrivant dans le New York Times, a qualifié le jeu de Horowitz de «brillant, poétique et vital ... une exposition autant pianistique qu’émotionnellement expansive dans ses nuances tonales et sa subtilité de nuance». Une fois de plus, l'enregistrement en studio a eu lieu quelques jours plus tard et, comme pour le Brahms, la version Horowitz-Toscanini est rapidement devenue la référence.

Bonne écoute!



Johannes BRAHMS (1833-1897)
Concerto pour piano no. 2 en si bémol majeur, op. 83
https://www.liberliber.it/online/aut...aggiore-op-83/

Piotr Ilyich TCHAÏKOVSKI (1840-1893)
Concerto pour piano no. 1 en si bémol mineur, op. 23 [TH 55]
https://www.liberliber.it/online/aut...chestra-op-23/

Vladimir Horowitz, piano
NBC Symphony Orchestra
Arturo Toscanini. direction
Dates d’enregistrement : 9 mai , 1940 (Brahms), et 14 mai , 1941 (Tchaïkovski) in Carnegie Hall, New York City
Source: Classica d'Oro 3001


Internet Archivehttps://archive.org/details/051.AllegroNonTroppoEMoltoMae

vendredi 9 février 2018

Mozart 2-3-4





Ce billet B + B propose notre montage # 271. Pour l'écouter, il suffit d'utiliser le lecteur Pod-O-Matic intégré au billet.



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Le B+B de cette semaine propose un tour d’horizon rapide de l’œuvre concertante de Mozart, suivant une formule numérologique - 2, 3 et 4.

Le « 2 » est le concerto pour cor no. 2, un des nombreux concerti pour instruments à vent de Mozart (mos baladodiffusions ont jadis proposé le cor, le basson, la flûte, la clarinette et le hautbois dans cette veine).

Le « 3 » est le concerto pour violon mo. 3, un des cinq (ou sept – j’y reviendrai tout à l’heure) concerti pour violon composés par Mozart en 1775. L'œuvre est appelée « Concerto de Straßburg » (Strasbourg) dans la correspondance du musicien, en raison d’une mélodie populaire dite « strasbourgeoise » dans le finale, sorte de pot-pourri à la française.

Le « 4 » est le concerto pour piano no. 4, qui s’ajoute à notre intégrale des concerti de Mozart. Le soliste (et chef) est Geza Anda.

Pour compléter le programme, j’ai ajouté le concerto pour violon en ré majeur, K. 271a, dont l’attribution à Mozart est la source de débats. Le concerto est surnommé le concerto Kolb, car il aurait été composé pour le violoniste de Salzbourg Franz Xavier Kolb (1731–82) – ou peut-être pour son fils Johann Andreas, les musicologues ne peuvent en être sûr. La prépondérance des musicologues semblent accepter la paternité de Mozart ici (contrairement à la 37ie symphonie discutée récemment), mais l’ajoût inopinée d’une œuvre au catalogue Köchel s’accompagne toujours d’un certain scepticisme.


Bonne écoute!


mardi 6 février 2018

Les routes variées



Le billet suivant est un de mes Mardi en Musique pour le mois de février 2018.

La série Les Routes du Laitier explore le répertoire de long en large, faisant appel à nos montages et playlists du passé. Pour plus d'information, lisez la page d'infos.









Sommaire

Dans l'un de nos premiers volets de cette série, nous avons parlé des sonates et introduit le concept général de la forme musicale, c'est-à-dire l'organisation d'un morceau de musique. Les formes peuvent être très strictes (la forme sonate généralement en trois segments en est un bon exemple), et d'autres peuvent être moins rigides, mais la forme c’est après tout la forme, et il y a du mérite derrière l’idée d’un ensemble de "règles simples" qui permettent la construction d’une pièce (ou d’en reconnaître la construction). Dans sa célèbre conférence télévisée sur la Cinquième Symphonie de Beethoven, Leonard Bernstein a décrit la forme comme «un moule de Jell-O».

Un exemple de forme musicale populaire est le thème avec variations. Dans sa manifestation la plus simple, un thème musical est "exposé" et est répété sous une forme altérée ou accompagné d'une manière différente à travers un ensemble de variations "développées" à partir de ce thème. La structure T & V commence généralement par un thème (qui est lui-même parfois précédé d'une introduction), typiquement entre huit et trente-deux mesures; chaque variation (particulièrement dans la musique baroque ou au début du classique)  sera de même longueur et structure que le thème. De plus, l’usage de variations simples évoluant à des formes graduellement plus élaborées est souvent la norme, plutôt que de créer une séquence arbitraire.

Les œuvres sous forme de T & V apparaissent d'abord au début du XVIe siècle. Les œuvres de clavier sous forme de variation ont été écrites par un certain nombre de compositeurs anglais du XVIème siècle, y compris William Byrd, Hugh Aston et Giles Farnaby. Deux ensembles de variations baroques, tous deux écrits pour le clavecin, sont “le forgeron harmoniweux” de George Frideric Handel et les Variations Goldberg de Jean Sébastien Bach.

À l'époque classique, Wolfgang Amadeus Mozart a écrit un grand nombre de variations, telles que le premier mouvement de sa Sonate pour piano K. 331, ou la finale de son Quintette de clarinette. Joseph Haydn s'est spécialisé dans les séries de doubles variations, dans lesquelles deux thèmes apparentés, habituellement mineurs et majeurs, sont présentés puis variés en alternance; Le mouvement lent de sa Symphonie n ° 103 et des variations en fa mineur pour piano, Hob. XVII: 6, en sont des exemples.

Les musiciens de l'époque classique pouvaient aussi improviser des variations; Mozart et Beethoven ont tous deux impressionné leurs auditoires lorsqu'ils improvisaient. Les auditeurs modernes peuvent avoir une idée de ce à quoi ressemblaient ces variations improvisées en écoutant des œuvres publiées qui sont évidemment des transcriptions écrites de représentations improvisées, en particulier la Fantaisie en sol mineur de Beethoven, op. 77, et les Variations sur un Aria de Gluck, K. 455.

Nous pourrions continuer la liste à travers le romantique (Chopin et Mendelssohn) et le romantique tardif (Johannes Brahms). Des ensembles de variations ont également été composés par d'éminents compositeurs du vingtième siècle, dont Sergei Rachmaninov (Rhapsodie sur un thème de Paganini, et ses variations pour piano solo sur des thèmes de Chopin et Corelli), Charles Ives (Variations sur "América"), Arnold Schoenberg (Thème et Variations, Opp. 43a et 43b), pour ne nommer que ceux-ci.

Vos feuilles de route

Feuille de Route #77 - C’est arrivé le 21 juin 1954

Des archives de la Société Radio-Canada, Glenn Gould joue les Variations Goldberg en direct pour un auditoire radiophonique [Lire notre réflexion


Feuille de Route #78 – Tchaïkovski Suites nos. 3 & 4

Deux des quatre suites pour orchestra de Tchaïkovski proposent des finales sous forme T & V. [Lire notre réflexion

Hyperlien au menu et à la musique - https://archive.org/details/01TchaikovskySuiteNo.3Op.55



Feuille de Route #79 – Thème et Variations: Edition Paganini

Rachmaninov, Brahms et Liszt s’inspirent au 24ie caprice pour violon de Paganini et proposent des variations espiègles et vertueuses. [Lire notre réflexion


  
Feuille de Route #80 – Variations sur une chanson

“Ah vous dirais-je maman”, “Le Carnival de Venise” et ”I Got Rhythm” sont quelques-unes des chansons qui inspirent des variations. [Lire notre réflexion


  

Feuille de Route #81 – Variations pour orchestre

Finalement, nous arrivons à la fin de notre regard sur les thèmes et variations, avec un quatuor d'œuvres conçues pour orchestre. Deux des œuvres, par coïncidence, sont des compositions britanniques et les deux autres compositeurs ont tous deux eu des périodes "américaines". [Lire notre réflexion



  

mardi 30 janvier 2018

Michael Haydn & Mozart


Le billet suivant est mon Mardi en Musique du 30janvier 2018 et propose notre montage # 270. Pour l'écouter, il suffit d'utiliser le lecteur Pod-O-Matic intégré au billet.






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Le Mardi en Musique de cette semaine, le premier de mes montages offerts la semaione du cinquièeme mardi, s’inspirte un peu d’un fil de discussion sur le forum en associalt Wolfgang Mozart et Johann Michael Haydn (le frère de ;’autre…).

Lors de son voyage à Linz en 1783 Mozart créa (supposément sur place) une nouvelle symphonie (sa 36ième) mais avait dans ses calepins copié intégralement une symphonie en sol majeur de Michael Haydn qu’il étudiait, et à laquelle il avait ajouté un adagio d’introduction. Il n’est pas clair si cette partition autographe était destinée à la performance créant son autre symphonie, ou s’il s’agissait d’un exercice d’étude personnelle, mais néanmoins la copie en question fut plus tard publiée par la maison Breitkopf & Härtel et ajoutée (en séquence) au catalogue des Symphonies de Mozart, sa 37ième.

En 1907, élaborant le catalogue de M. Haydn, Lothar Perger découvre la grande similitude entre la 37ième symphonie de Mozart et la 25ième symphonie de Michael Haydn. Hormis l’introduction lente ajoutée par Mozart, on accepte largement la « paternité » de l’œuvre en question à Haydn. En fait, depuis cette découverte, on semble éviter sa performance dans le giron Mozartien, la reléguant au répertoire plus obscur de son auteur.

Il est intéressant de noter que Mozart a calqué le frérot Haydn plus d’une fois: le Te Deum K. 141 suivrait celui de Haydn de très près; le finale du Quatuor K. 387 ressemble étrangement au finale de la 23ième symphonie de Haydn; la thématique, motifs fugaux et l’exposition de certains thèmes du finale de la Symphonie Jupiter s’inspirent d’un traitement similaire de la 29ième symphonie de Haydn.

Nous n’enlevons rien à M. Mozart, on ne fait que noter ce que d’autres musicologues ont remarqué…
Afin de compléter le programme,. Une autre symphonie de Haydn (sa 28ième ), et la 39ième de Mozart, la première du triptyque formé par ses trois dernières suymphonies numérotées . Les symphonies 37 et 39 sont extraites de l’intégrale Leinsdorf de la fin des années 1950.


Bonne écoute!

mardi 23 janvier 2018

Stravinsky, RSO Berlin • Riccardo Chailly ‎– Symphonie De Psaumes


Le billet suivant est mon Mardi en Musique du 23 janvier 2018. 

Le chef Italien Riccardo Chailly figure parmi la liste  d’artistes de grande renommée de l’écurie Decca, et ce depuis son premier poste d’importance, soit son séjour auprès de l’orchestre Symphonique de la Radiodiffusion Berlinoise  (jadis l’orchestre de la RIAS, aujourd’hui le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin) qu’il occupera pendant les années 1980. Dans ma collection personnelle, je retiens trois gravures de Chailly avec cet orchestre: Carmina Burana, sa lecture de la 10ième symphonie de Mahler (reconstruite par Deryck Cooke) et le disque d’aujourd’hui, un quatuor d’œuvres de Stravinski.

L’œuvre majeure de ce microsillon est la Symphonie de Psaumes (complétant ainsi notre survol des symphonies de Stravinski entamé par mon partage d’octobre dernier). Contrairement à de nombreuses pièces composées pour choeur et orchestre, Stravinski a déclaré que "ce n'est pas une symphonie dans laquelle j'ai inclus des Psaumes à chanter. Au contraire, c'est le chant des Psaumes que je suis en train de symphoniser. "

L'œuvre fut commandée par Serge Koussevitzky pour célébrer le 50e anniversaire du Boston Symphony Orchestra. Bien que la pièce ait été écrite pour l'orchestre de Boston, la première mondiale a été donnée par la Société Philharmonique de Bruxelles le 13 décembre 1930, sous la direction d'Ernest Ansermet.

La cantate Zvezdoliki (Звездоликий, Le roi des étoiles), s’inspirant des paroles du poète russe Konstantin Balmont, a été composée en 1911-12, en même temps que sa grande trilogie de ballets - ;’Oiseau de feu, Petrouchka et le Sacre du printemps. L'œuvre est plus communément connue sous le titre français traduit par Michel-Dimitri Calvocoressi, Le Roi des Étoles. Claude Debussy, à qui l'œuvre est dédiée, a salué le travail dans une lettre de 1913 au compositeur; bien que le décrivant comme "extraordinaire", la cantate est cependant très rarement montée. Je crois que c’est pour des raisons purement « économiques » un grand orchestre et chœur d’hommes pour 54 mesures de musique…

Le chant du rossignol est un poème symphonique écrit par Stravinskien 1917. La partition est adaptée de son premier opéra de 1914, Le rossignol, basé sur le conte de Hans Christian Andersen. Le poème symphonique utilise principalement la musique des deuxième et troisième actes. Bien qu'il n'ait pas été conçu comme une pièce dansée, un ballet usant du poème symphonique débute le 2 février 1920 au Théâtre National de l'Opéra à Paris. Stravinski lui-même n'était pas entièrement satisfait. "J'avais destiné Le Chant du Rossignol pour la plate-forme de concert, et un rendu chorégraphique me semblait tout à fait inutile", dit-il plus tard dans son autobiographie.

Stravinsky a accepté de collaborer à une reprise du ballet en 1925 et pour l'occasion, Diaghilev a choisit l'un de ses nouveaux étudiants, George Balanchine, pour chorégraphier le ballet. C'est à ce moment que Stravinski rencontra Balanchine, qui devint plus tard un important partenaire créatif.

Pour compléter l'album, Chailly a choisi la courte fantaisie orchestrale, Feu d'artifice.

Bonne écoute!



Igor STRAVIN SKI (1882-1971)
Symphonie de psaumes (1930)
Feu d'Artifice, op.4
Le Roi des Étoiles (1911-12)
Le Chant du Rossignol (1914-17)

Radio-Symphonie-Orchester Berlin Und Chor
(Maïtre des chœurs – Ernst Senff)
Riccardo Chailly, direction
Lieu d’enregistrement:  Jesus Christus Kirche, Berlin. Février 1984
Decca ‎– 414 078-1 (Vinyl, LP DDA)



Merci, Arquivista dos Sons.


Copie d'archives (audio)
 

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